Đa dạng

Barbara Ghisi - Nghệ sĩ - Tác phẩm của cô ấy

Barbara Ghisi - Nghệ sĩ - Tác phẩm của cô ấy


NGHỆ THUẬT VÀ MÔI TRƯỜNG

Barbara Ghisi, các tác phẩm

Bảo Bình

«Đáy biển, đại diện cho các thế giới chìm trong nước và không xác định, đại diện cho nơi ở của linh hồn. Mỗi tác phẩm là một hành trình nội tâm tìm kiếm bản thân của mỗi người ».Tiêu đề: Bảo Bình
Kỹ thuật: Tranh sơn dầu trên vải
Kích thước: 100 x 120 cm
Năm: 2011

XEM CÁC CÔNG TRÌNH KHÁC CỦA BARBARA GHISI

Nếu bạn là một nghệ sĩ và bạn muốn xuất bản các tác phẩm của mình trên trang web này, hãy gửi thư tới địa chỉ [email protected]


Barbara Hepworth là ai

Barbara Hepworth là một nghệ sĩ người Anh nổi tiếng hơn hết với những tác phẩm điêu khắc, được coi là một trong những tác phẩm trừu tượng đầu tiên trong lịch sử nghệ thuật Anh. Ngày nay, Barbara Hepworth được Google kỷ niệm bằng một bức vẽ nguệch ngoạc vì vào ngày 25 tháng 8 năm 1939, tức là tám mươi mốt năm trước, bà chuyển đến St. Ives, một thị trấn nhỏ ở bờ biển phía nam nước Anh, nơi bà xây dựng studio của riêng mình và ở lại phần còn lại của cuộc đời cô ấy. sự nghiệp.

Barbara Hepworth sinh ra ở Wakefield, West Yorkshire, vào năm 1903. Cha cô là một kỹ sư và cho phép cô theo học và nhận được học bổng vào Trường Nghệ thuật Leeds đầu tiên và sau đó là Đại học Nghệ thuật Hoàng gia ở London. Vào thời điểm đó, Barbara Hepworth đã học được một kỹ thuật mới cho thời đại của mình: trực tiếp điêu khắc trên vật liệu đã chọn, mà không cần xây dựng các mô hình chuẩn bị. Năm 1924, cô kết hôn với nghệ sĩ John Skeaping, người mà cô vẫn gắn bó cho đến năm 1931. Năm 1932, cô bắt đầu mối quan hệ với họa sĩ Ben Nicholson, người mà cô đã thực hiện một số chuyến đi vòng quanh châu Âu, trong đó cô đã tiếp xúc với nghệ thuật của Mondrian, Braques , Picasso và Brancusi.

Corinthos, tác phẩm của Barbara Hepworth được trưng bày tại Tate ở Liverpool, 1954-1955 (Wikimedia Commons)

Hepworth lấy cảm hứng từ những nghệ sĩ này và trong những năm 1930, ông bắt đầu tập trung vào các hình thức trừu tượng, đạt được một số danh tiếng quốc tế: năm 1950 ông đại diện cho quốc gia của mình tại Venice Biennale, năm 1959, ông giành giải nhất tại San Paolo Biennale và năm 1965 thì có hồi tưởng về công việc của mình tại Bảo tàng Kröller-Müller ở Hà Lan.

Mặc dù có thể đóng một vai trò quan trọng trong một thế giới do nam giới thống trị, Barbara Hepworth không bao giờ là một chiến binh nữ quyền, cũng như không điều tra vai trò giới tính trong các tác phẩm của mình. Cô chỉ yêu cầu, trong suốt cuộc đời hoạt động nghệ thuật của mình, được coi như một "nhà điêu khắc" chứ không phải là một "nhà điêu khắc". Trang web của Tate Modern ở London tóm tắt ý nghĩa của việc sản xuất nghệ thuật của ông như sau: «Ngay cả khi nó liên quan đến các hình thức và sự trừu tượng, nghệ thuật của Hepworth chủ yếu là về các mối quan hệ: không chỉ giữa hai hình thức đặt cạnh nhau, mà giữa hình người và cảnh vật xung quanh, giữa màu sắc và bố cục, và trên hết là giữa con người ở cấp độ cá nhân và xã hội ».


ROBERTA DIAZZI - NHỮNG GIẤC MƠ TINH TẾ

Zanini Arte hân hạnh được mời ở Vernissage tiếp theo sau đó TRIỂN LÃM CÁ NHÂN của ROBERTA DIAZZI, GIẤC MƠ TINH THỂ sửa bởi BARBARA GHISI. Sự kiện sẽ được tổ chức THỨ BẢY ngày 18 tháng 11 lúc 6 giờ chiều tại Galleria di VIA VIRGILIO 7 a SAN BENEDETTO PO (MN), với sự bảo trợ của Thành phố San Benedetto Po.

Galleria Zanini Arte rất vui và vinh dự được tổ chức triển lãm "Những giấc mơ pha lê" của Roberta Diazzi, người chiến thắng giải thưởng "Leone d'oro" tại buổi dạ tiệc lớn của Arte Cinema e Impresa của Fondazione Mazzoleni với tư cách là một nghệ sĩ mới nổi 2017. Thi pháp nghệ thuật của Roberta luôn dựa trên mối quan hệ hai chiều giữa đối tượng và khái niệm, ban đầu gần với ngôn ngữ của Nghệ thuật đại chúng Hoa Kỳ, sau đó nó được chuyển đổi thông qua việc sử dụng các tinh thể Swarovski đã được chứng nhận, với các đường kính khác nhau để cung cấp năng lượng và sức mạnh vào thành phần. Một nghiên cứu lâu dài về vật liệu và khả năng vô hạn của chúng đã khiến người nghệ sĩ phát triển một ngôn ngữ nguyên bản, biểu cảm và tổng hợp, qua đó anh ta mang lại sức sống và hình thức cho suy nghĩ và phản ánh. Trong các tác phẩm của Roberta Diazzi, mọi thứ đều được coi là quý giá và duyên dáng. Đó là một sự quý giá được thể hiện trong sự kết hợp giữa một tác phẩm cổ xưa dựa trên một công trình sản xuất khác xa với thời kỳ bận rộn của thế giới hiện tại và bản thân các tác phẩm. Các tác phẩm xuất hiện như một minh chứng hữu hình của một niềm đam mê sống còn, được xử lý cẩn thận trong từng đường nét chạm nổi bằng pha lê, mọi biến thể bề ngoài đều chiếm một vị trí chính xác trong việc tạo ra một tổng thể hài hòa. Qua bàn tay của nghệ nhân, độ cứng của đá Swarvoski trở nên sống động, thành hình, chuyển đổi thành sự ấm áp mềm mại của những đường cong, của những đường xoắn ốc uốn lượn tạo hình thế giới động vật hoặc những hình ảnh nói về cuộc sống đã sống. Một linh hồn gợi mở và rực sáng mãnh liệt mà các tác phẩm thể hiện khi được ánh sáng chiếu vào, như một sự hé lộ về một sức sống tiềm tàng, tiềm ẩn và sẵn sàng bùng nổ với sức mạnh sắc màu của một ngoại hình siêu phàm. Vẽ tranh bằng pha lê là để Roberta Diazzi hỗ trợ dòng chảy sáng tạo liên tục và không bị gián đoạn: sự phản chiếu nổi bật trên độ trong suốt của tấm thủy tinh, như một hình ảnh bất ngờ, do đó nhắc nhở chúng ta hãy để bản thân được thúc đẩy bởi không khí của trí tưởng tượng.

Sự sang trọng và tinh tế của tác phẩm nghệ thuật.

Con đường nghệ thuật và triển lãm mà Roberta Diazzi thực hiện trong vài năm thật đáng ngạc nhiên. Nhưng đáng ngạc nhiên hơn nữa là những mục tiêu mà nghệ sĩ Modenese đã đạt được thông qua chế độ công đức bằng chính nguồn lực của mình. Đáng chú ý là sự nhất quán mà anh ấy đã theo đuổi phong cách cá nhân theo thời gian, đồng thời thay đổi chất liệu và chủ đề của các đối tượng được miêu tả. Một số nhà phê bình khẳng định rằng lịch sử nghệ thuật được tạo nên từ sự kế thừa của các chuyển động và ngôn ngữ, từ đó xuất hiện những trải nghiệm đơn độc của các nghệ sĩ cách tân. Những điều này góp phần vào sự đóng góp ban đầu của các kỹ thuật và phong cách mới, tuy nhiên, không thể dễ dàng diễn giải hoặc có thể đạt được, vẫn duy nhất về mặt đổi mới và chất lượng đạt được. Đây là trường hợp của Roberta Diazzi! Những tác phẩm của ông thoạt nhìn có vẻ đơn giản nhưng lại là kết quả của quá trình tìm kiếm những vật liệu quý giá và đắt tiền không phải ai cũng dễ dàng có được, và vì lý do này mà những khách hàng giàu có và khó tính nhất cũng săn đón. Để bù đắp cho tinh thần không ngừng nghỉ và đương đại đó của một xã hội luôn áp đặt những ước muốn mới, và những ước mơ ngày càng được khuếch đại. Sự sắp xếp tao nhã và khó khăn của họ trong công việc sau đó được đúc kết từ kinh nghiệm lâu năm, từng bước được trau dồi và trau chuốt. Những viên pha lê Swarovski với nhiều kích cỡ và màu sắc khác nhau là nhân vật chính tuyệt đối cho các tác phẩm danh giá của ông. Từ năm 2011 trở đi, những vật liệu phản chiếu và có bề mặt quý giá này đã tạo nên toàn bộ những sáng tạo của anh ấy. Với các thước đo có đường kính từ 4 đến nửa milimét, để có thể bao phủ ngay cả những không gian nhỏ nhất của bề mặt đã xử lý, chúng phá vỡ và phản chiếu ánh sáng và màu sắc, tạo cho đối tượng sự rung động và sống động. Mỗi tác phẩm còn được đính kèm một chứng chỉ về tính xác thực của những viên pha lê Swarovski. Ánh sáng là cần thiết cho việc thưởng thức tác phẩm. Nếu trực tiếp hoặc tiếp tuyến, nó tạo ra phản xạ hoặc bóng tối làm thay đổi tầm nhìn, làm nổi bật tính di động và năng động của các hình thức. Sau đó hình ảnh được tích hợp và hoàn thiện bởi sự nhạy cảm và cảm nhận của cá nhân. Các tác phẩm của cô sống qua các đoạn khác nhau: hình ảnh mà nghệ sĩ chia nhỏ để vẽ các bản vẽ mà bản thân cô gán cho các vai trò của ánh sáng và bóng tối, màu mạnh và màu dịu, các vở kịch của bóng và ánh sáng. Các bản vẽ sau đó được chuyển bằng bút chì tự do mềm trên giá đỡ. Ngay cả bề mặt mà các tinh thể được áp dụng là kết quả của quá trình tìm kiếm vật liệu trong một thời gian dài, để nâng cao độ quý giá của chúng lên cấp độ thứ n. Đây là plexiglass màu đen. Bảng bóng mờ giúp tăng độ sáng và khúc xạ âm sắc đến mức tái tạo tác phẩm phản chiếu thứ hai. Một linh hồn ẩn giữa bóng tối và ánh sáng xuất hiện dựa trên vị trí của người quan sát. Những ý nghĩa chồng chéo và đa giác quan vì vậy, đối với những tác phẩm ngoài việc nhìn thấy còn có thể sờ được. Và thông qua xúc giác, như ánh sáng, đi vào tâm hồn người xem. Sự nghiên cứu, sang trọng và chuyên nghiệp do đó phân biệt công việc của người nghệ sĩ này, khiêm tốn và giản dị trong con người của anh ấy, nhưng ngoan cường và kiên trì với mục tiêu của mình. Bắt đầu từ những nền tảng vững chắc của chuyên môn hóa kỹ thuật đồ họa, đạt được tại Học viện Nghệ thuật "Venturi" của thành phố cô ấy, cô ấy đã có thể sử dụng khả năng giao tiếp tức thì của dấu hiệu thông qua kỹ thuật Pop Art tạo nên sự sang trọng của hình ảnh, dù là màu sắc hay màu trong sắc thái của màu xám giữa trắng và đen. Niềm vui của tầm nhìn thẩm mỹ hòa quyện với tính tức thời của đối tượng được thể hiện, duy trì đặc tính độc quyền của tác phẩm nghệ thuật độc đáo. Không phải ngẫu nhiên mà những người tầm cỡ như Luciano Pavarotti hay các thành viên trong gia đình Ferrari đều muốn có một bức chân dung của tay ông. Và các bức chân dung của nghệ sĩ này vượt ra ngoài dữ liệu tâm lý và cho chúng ta những hình ảnh chân thực và con người phụ thuộc vào nhu cầu về hình thức. Công chúa lừng lẫy Caroline của Monaco đã công nhận và khen thưởng cho sự trau chuốt các tác phẩm của Diazzi, giữ một trong những tác phẩm của bà cho riêng mình. Nhưng không chỉ! Danh tiếng của nghệ sĩ này cũng đã được công nhận ở nước ngoài, đến nỗi đệ nhất phu nhân Trung Quốc Bành Lệ Viên muốn có một bức chân dung của bà được làm hoàn toàn bằng 4800 viên pha lê Swarovski. Theo dõi các hội chợ nghệ thuật trong nước và quốc tế đều thấy nhân vật chính của cô. Để đạt được cam kết quan trọng này, vào tháng 9 năm 2017 tại Venice, cô đã được trao giải "Sư tử vàng là nghệ sĩ mới nổi năm 2017" do quỹ Mazzoleni trao tặng. Do đó, nếu ngay từ cái nhìn đầu tiên, Roberta Diazzi có thể chỉ là một nghệ sĩ trang trí đơn giản, thì bằng chứng ngược lại, đó là chiều sâu của một con đường bắt nguồn từ kinh nghiệm của một tinh thần sáng tạo đương đại, thông minh và nhạy bén, được định sẵn để làm mới chính mình. để liên tục nghiên cứu trong nghệ thuật phí biểu đạt tối đa.

Nghệ sĩ

Roberta Diazzi là một nghệ sĩ người Modenese, cô tốt nghiệp Học viện Nghệ thuật A. Venturi với nền tảng đồ họa về quảng cáo. Anh ấy đếm vô số lần hợp tác với các phòng trưng bày quan trọng, cả Ý và nước ngoài, hiện diện trong lãnh thổ Monegasque và ở Lugano gần đó. Anh đã tham gia nhiều hội chợ khác nhau ở châu Âu, ở lãnh thổ châu Á: Hồng Kông, Seoul, Singapore và ở Mỹ: Miami và New York, St.Petersburg. Bức tranh sơn dầu của ông được đặc trưng bởi ký tên Điều này làm cho các tác phẩm của anh ấy trở nên độc quyền, nhưng nét đặc biệt trong nghệ thuật của anh ấy nằm ở việc sử dụng hàng trăm nghìn viên pha lê Swarovski đã được chứng nhận có đường kính khác nhau áp dụng cho các giá đỡ thường là màu đen, điều cần thiết để tăng cường độ sáng, ánh sáng và màu sắc của các viên pha lê. Không phải tranh vẽ mà là những bức tranh ghép của ánh sáng đã được hiệu chỉnh và cắt để cung cấp năng lượng và sức mạnh cho các hình vẽ. Nghệ sĩ được truyền cảm hứng từ nghệ thuật hậu hiện đại, nhờ vào bản sửa đổi phong cách ban đầu bắt nguồn từ truyện tranh của Roy Lichtenstein và Pop-Art của Andy Warhol, người đã áp đặt "phải" các bức chân dung của mình đối với các nhân vật VIP cùng thời với ông. Họa sĩ đã nhận được những khoản hoa hồng quan trọng từ các gia đình Ý lừng lẫy, bao gồm gia đình Ferrari, gia đình Montezemolo và chính Luciano Pavarotti. Trong vài năm, nghệ thuật của ông cũng được săn đón ở nước ngoài: tại Công quốc Monaco, Công chúa Caroline trưng bày tác phẩm "l'œvre pop de Monaco" trong studio hoàng gia của cô. Cuối cùng theo thứ tự thời gian nhưng không quan trọng, chúng ta nhớ đến bức chân dung của Bành Lệ Viên, được xếp vào danh sách những tác phẩm quan trọng nhất trong bộ sưu tập riêng của Đệ nhất phu nhân Trung Quốc. Ngày nay Diazzi bên cạnh những gương mặt nổi tiếng của đời sống thế gian còn có những ngôi sao quan trọng có nguy cơ bị lãng quên một cách nguy hiểm. Chúng ta có thể định nghĩa cô ấy là một "họa sĩ động vật", trên thực tế, những bức chân dung của cô ấy tái hiện những loài động vật hoang dã hung dữ, vương giả, hướng tới người xem bị phân tâm. Tù nhân của khung, họ chỉ, đi bộ và bay về phía chúng tôi, những người đang theo dõi khi chúng tôi xóa họ khỏi thế giới của họ. Nghệ thuật là một nhu cầu và nhu cầu của Roberta Diazzi là mang tiếng gầm của họ vào lương tâm của chúng ta.

NHẬP HỌC MIỄN PHÍ

Facebook: Phòng trưng bày nghệ thuật Zanini Arte


Từ dán đến nữ quyền: Barbara Kruger là ai và cô ấy đã làm gì cho quyền phụ nữ

Nhân ngày thế giới chống bạo lực đối với phụ nữ, chúng ta cùng đọc lại câu chuyện của nghệ sĩ người Mỹ: ngày nay vẫn là điểm tham chiếu cho nghệ thuật được triển khai vì quyền công dân

Các Thời báo New York được bầu gần đây Barbara Kruger trong số Những người vĩ đại của năm, chèn nó vào giữa năm nhân vật có ảnh hưởng nhất năm 2020 - cùng với FKA Twigs, Dawoud Bey, Angela Davis và Sigourney Weaver. Khi chúng tôi nghĩ về Barbara Krugercủa bạn ngay lập tức xuất hiện trong tâm trí Opera nổi tiếng hơn: "Không có tiêu đề (cơ thể của bạn là một nền tảng đánh bóng)". Đó là năm 1989 và thế giới đang bước đi dưới cái nhìn của một đàn bà khuôn mặt của người, nằm giữa thực tế và sự phân cực của chính nó, đã thống trị toàn cảnh Washington. Những người phụ nữ diễu hành qua các đường phố ở thủ đô của Hợp chủng quốc Hoa Kỳ chống lại luật chống phá thai, chứng kiến ​​Roe và Wade xếp hàng trong một cuộc đấu chính trị. Trong khi đó, các sọc đỏ trên mặt Kruger đó nói: "Cơ thể của bạn / là một / chiến trường".

Cách mạng và vĩnh cửu với của riêng mình áp phích Barbara Krueger ông đã biến những bức tường ở New York thành những tấm bảng đen về giao tiếp tích cực. Xét cho cùng, "những bức tường không chỉ là chính nó. Chúng còn là những gì chúng tôi muốn chúng trở thành: hỗ trợ những hy vọng, bảo vệ hiện tại" - nói như vậy trong Sottsass. Trong cùng những năm, thành phố họ bắt đầu thu thập một tiếng kêu có tầm nhìn xa: a NewyorkNhờ sự giúp đỡ của các sinh viên của cô tại Chương trình Nghiên cứu Độc lập của Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Whitney, Barbara Kruger đã báo cáo thành phố với bản tuyên ngôn của mình vài tháng sau đó, Trung tâm Nghệ thuật Wexner tại Đại học Bang Ohio đã ủy quyền cho cô thực hiện một phiên bản lớn hơn. Cô ấy áp phích Về mặt hình tượng, nó gắn liền với cuộc đấu tranh ủng hộ phá thai đến nỗi, trong vòng 12 giờ, một nhóm đối lập đã treo cổ một nhóm khác để đáp lại, mô tả một thai nhi 8 tuần tuổi. Đã ở đầu Chín mươi, Barbara Kruger đã trở thànhnghệ sĩ-biểu tượng của quyền phụ nữ. Và nó không bao giờ ngừng tồn tại. Bởi vì ngay cả trong quá khứ khá gần đây, Kruger đã ký vào trang bìa của Tạp chí New York nhân sự kiện bầu cử của cựu Tổng thống Hoa Kỳ: chúng ta đang ở năm 2016 và gương mặt của Donald Trump trên trang nhất thể thao những từ bất kính "kẻ thua cuộc" - phản đối sự phản đối của đông đảo tuyên bố sai lầm do nhà tài phiệt Mỹ phát hành.

Trong hai mươi năm qua,Công việc của Kruger nó đã phát triển đến mức thu hút khách tham quan trong toàn bộ các phòng trưng bày và bảo tàng, thông qua (cũng như) các cuộc triển lãm tương tác, nhập vai về các tác phẩm của ông. Ngày nay, "phải đối mặt với độ bền đáng lo ngại của nó có nghĩa là bị tước vũ khí khi đối mặt với sự khác biệt về quyền lực và sự giàu có (.) Và giúp phản ánh sự tái diễn nhất định của các chủ đề trong lịch sử", Megan 'O Grady viết trên Thời báo New York. Ví dụ, vào tháng 6 năm nay, các tác phẩm được thực hiện ở Los Angeles vài tháng trước đó đã đi kèm với các cuộc biểu tình nhân danh George Floyd. Như vậy, dòng chữ "Ai mua lừa đảo?" là bối cảnh cho những dòng người bị còng tay vào một bức tường dọc theo Đại lộ Sunset. Mọi loại bất công đã làm nảy sinh các tác phẩm tố cáo, nhưng nó vẫn ở đó đàn bà đã chinh phục được vai trò chính trong diễn ngôn nghệ thuật của mình. Bắt đầu từ làm mất đi vẻ đẹp của các cô gái rập khuôn để tiết lộ những áp lực tâm lý mà phụ nữ thường phải chịu - các dạng bạo lực đương đại, thậm chí và đôi khi, vô hình - Kruger đã cố gắng làm sáng tỏ các thông điệp truyền thống của adv nói chuyện (và nói chuyện) với người qua đường trong không gian công cộng. Không dành cho người phụ nữ thanh tao, hoàn hảo và có cho sự lựa chọn tự do. Nữ quyền? Có, nhưng không có thái cực. Nó đã tước bỏ áp lực xã hội của hôn nhân: có thể sống một cuộc đời ngoài cái hộp mẹ-vợ-nội trợ nó có thể bao trùm một thành phố với những tư tưởng cách mạng, có thể có những nguồn cảm hứng, nó có thể không phục vụ cho sự thâm độc, sự chiếm hữu, quyền lực tối cao và quyền lực.

Ngoài tất cả các chủ đề - hiện đã nổi tiếng - về Barbara mà chúng ta thích, chúng ta phải tự hỏi mình tại sao một nghệ sĩ khái niệm, trụ cột của đồ họa tương tự, người đã dịch dán lên giấy và keo dán thành một tác phẩm nghệ thuật, hiện đang rất thịnh hành ngay cả trong thời đại kỹ thuật số. "Có vẻ như mọi thứ và không có gì thay đổi kể từ những năm 1990", nhà báo Megan 'O Grady nói. Thay vào đó, trong hai mươi năm, đã có một cuộc cách mạng công nghệ, nhưng sự thật là Barbara Kruger, ngoài việc dự đoán thời gian và tạo ra những meme đầu tiên trong lịch sử, đã mang lại sức sống cho thông điệp ngắn - không phải vì mục đích quảng cáo mà là tình cảm công dân. Sự ngắn gọn, có lẽ do thiếu thời gian liên tục, ngày nay là thách thức của giao tiếp: dòng tweet gồm 280 ký tự, tiêu đề sẵn sàng tan biến trên Internet, ngôn ngữ gãy gọn và nhanh chóng. Thông điệp ngắn gọn nhưng mãnh liệt của Kruger đã tôn trọng và tôn trọng tất cả các quy tắc tự sự đương đại. Vì lý do này, nhiều người đã coi công việc của anh ấy là một hình thức tiếp thị không có thương hiệu - nếu không phải là của riêng anh ấy. Người nghệ sĩ nói với các nhà nữ quyền rằng nói về nữ quyền mà không có sức mạnh của hình ảnh thì gần như vô dụng: cần phải cho một hình thức đẹp khác hoặc hủy bỏ hình thức được phong thánh để nói lên khuôn mặt khác của nữ tính. Giao tiếp của ông là một vũ khí mà ông cố gắng vô hiệu hóa sự thống trị - và nó vẫn còn phù hợp cho đến ngày nay.

Hôm nay Kruger giảng dạy tại Đại học California - cô ấy bảo vệ quyền riêng tư của mình và làm việc mà không cần trợ lý, thực tế là mỏ nghệ thuật Hoa Kỳ. Khi phóng viên Megan 'O Grady cố gắng phỏng vấn cô cho The New York Times Great's Issue, Kruger ngày càng trở nên kín tiếng khi ngày phỏng vấn đến gần. Và thật là bối rối khi yêu cầu một bức chân dung để minh họa một tác phẩm cho một người mà từ hai mươi năm trở lên, đã làm việc và vẫn đang làm việc cho tháo rời những khuôn sáo của hình ảnh! Tác phẩm nghệ thuật của Barbara Kruger đã sinh ra những câu chuyện và bài luận như cái trên vẻ ngoài nam tính bởi Laura Mulvey, Khoái lạc bằng hình ảnh và Điện ảnh tường thuật (1975) - có lẽ được lấy cảm hứng từ tượng bán thân nữ được chạm khắc trên đá có tựa đề "Untitled (ánh nhìn của bạn chạm vào mặt tôi)", tác phẩm Kruger có chữ ký có từ năm 1981.

"Tất cả các khuôn mẫu bạo lực", "Người vô tội. Không có gì phải sợ", "Cô ấy nghĩ mình là ai?" và một lần nữa "Chúng ta không cần một anh hùng khác", "Đây có phải là mục đích duy nhất của tôi?", "Tô điểm cho nhà tù của bạn" - chúng ta cần lặp đi lặp lại những khẩu hiệu mới để điều chỉnh sự cân bằng xã hội, chính trị và kinh tế. Vì lý do này, Barbara Kruger không ngừng tạo ra các tác phẩm nói lên mặt khác của đồng xu (giống cái).


GHISI, Theodore

GHISI, Theodore. - Anh sinh ra ở Mantua vào năm 1536, nơi cùng năm đó cha anh là Ludovico, một thương gia gốc Parma, đã được Spedale "đầu tư" để sở hữu một ngôi nhà ở quận Cigno, sau đó được xác nhận lại cho G. vào năm 1576 và vào năm 1590 (D 'Arco, II, trang 138 ff., 267).

Trong những năm quyết định của sự hình thành, Mantua là một thành phố, trong bóng tối của sự bảo trợ Gonzaga của Hồng y Ercole và Công tước Guglielmo, vẫn còn nhiều nợ văn hóa đối với Giulio Romano, người đã qua đời vào năm 1546: một số chủ nhân, những người ở các mức độ khác nhau đã cộng tác với ông, hoặc trong bất kỳ trường hợp nào đã lớn lên tiếp xúc trực tiếp với các tác phẩm của ông, họ đã duy trì các phong cách và mô hình, do đó nuôi dưỡng hương vị của triều đình. Trong việc dịch và trung gian topoi giulieschi, xưởng của Ippolito Costa có một tầm quan trọng nhất định, trong đó quá trình học việc của G. phải được hoàn thành, bên cạnh những người cùng tuổi, và con trai của Ippolito, Lorenzo, chứ không phải với người sau này, như họ. để lại hiểu các nguồn (ibid., I, pp. 78 s.). Vì vậy, G. đã học cách sử dụng một từ vựng thấm nhuần với các trường hợp hành động được quan sát trong các kết quả đạt được tại địa điểm hình ảnh của nhà thờ, mở cửa vào năm 1552, sau đó được tích hợp với những đổi mới của La Mã do chính Lorenzo Costa, người từ tháng 12 năm 1561 đến '. Tháng 10 năm 1564, ông cộng tác với Federico Zuccari về việc trang trí sòng bạc của Đức Piô IV cũng như đào sâu những kinh nghiệm có được trong thời gian ở Rome, ở Fontainebleau và ở Flanders, của anh trai ông là Giorgio, hơn mười sáu tuổi và vẫn đang hoạt động trong nghệ thuật chạm khắc. Sự hợp tác khiến G. đưa ra những phát minh do anh trai mình dịch bằng đồ thị là do mối quan hệ ảnh hưởng lẫn nhau. Đây là những gì đã xảy ra đối với bản khắc mô tả Angelica và Medoro, có lẽ từ một bức tranh bị mất tích của G., nhưng đã từng được lưu giữ trong một bộ sưu tập tư nhân ở Amsterdam (Thieme - Becker, trang 565) hoặc, đối với bức vẽ với Venus và Adonis, Giorgio bắt nguồn từ một bản gốc của G., bị thất lạc nhưng được ghi lại trong bộ sưu tập Gonzaga cho đến năm 1627 (Luzio, 1913, trang 95 ff.) Và được biết đến thông qua một bản sao ẩn danh được lưu giữ trong Musée des beaux-art ở Nantes. Một bản vẽ của G., liên quan đến chi tiết của cú putto với con thỏ, được lưu giữ ở Chatsworth.

Để xác nhận mối quan hệ chặt chẽ với môi trường Mantuan, và đặc biệt với Costa, không chỉ có Thánh gia với s. Giovannino của nhà thờ S. Maria di Castello di Viadana, sự tôn kính đối với các nguyên mẫu của Julian, có thể được giới thiệu đến cuối thập kỷ thứ bảy hoặc muộn nhất là đầu thập kỷ thứ tám, nhưng trên hết là bệ thờ với Phép Rửa của Chúa Kitô, vì đó là hai khoản thanh toán vào năm 1572, cho bàn thờ của S. Giovanni Battista trong nhà thờ Palatine của S. Barbara (Gozzi, 1974, trang 91).

Được xây dựng theo ý muốn của Công tước Guglielmo trong hơn một thập kỷ, bắt đầu từ cuối năm 1562, nhà thờ là một địa điểm xây dựng quan trọng, nơi các nghệ sĩ làm việc dưới sự chỉ đạo của G.B. Bertani, kiến ​​trúc sư của nhà máy và chịu trách nhiệm trang trí các bàn thờ, thậm chí có thể cung cấp các mô hình cho các họa sĩ. Bức tranh của G., một trong những tác phẩm công cộng đầu tiên của ông, do đó đã được đặt trong một chu trình đồng nhất theo quan điểm sáng tác và thậm chí là phong cách, mà các chữ "La Mã" một phần là do sự hiện diện địa phương của các tấm thảm trong Sách Công vụ các Sứ đồ. bắt nguồn từ phim hoạt hình Raphaelesque và được Guglielmo tặng cho vương cung thánh đường palatine vào năm 1569.

Nếu với Lễ rửa tội của Chúa Giê-su Christ G. tôn trọng bức tranh vẽ theo phong cách tổ tiên của người La Mã, trong việc đại diện cho một con vẹt với sự thô thiển cực độ, anh ta đã cho thấy mình rất chú ý đến việc thể hiện các chi tiết theo chủ nghĩa tự nhiên. Trong cùng những năm đó, ông đã miêu tả, trong số những thứ khác, trong hai bức vẽ màu, những con vẹt hiện diện trong tư dinh của Nữ công tước Eleonora của Habsburg, theo yêu cầu của Ulisse Aldrovandi, người đã mô tả bảo tàng chiết trung thuộc sở hữu của G. và được thiết lập trong một phòng nhỏ trong tòa nhà Te. Tại đây, ông được trả lương như một “người giám hộ” (Belluzzi, trang 69) và từ năm 1574, ông đã có một căn phòng để vẽ (Các bản khắc…, trang 20).

Năm 1872, phòng thi Mantuan của S. Antonio bị đàn áp và phá hủy. Trong số đồ đạc của nó có hai bức tranh của G., Chúa Ba Ngôi giữa các ss. Rocco và Sebastiano, hiện được tìm thấy trong một bức tranh được lưu giữ tại Bảo tàng Castelvecchio ở Verona, có chữ ký và đề ngày 1577, và Cuộc gặp gỡ của Joachim và Anna, được tìm thấy trong các bộ sưu tập của cung điện Mantua. Điều đặc biệt là trong thành phần của thứ sau, ngoài các công thức Julian thông thường, tổ tiên Bắc Âu mạnh mẽ được ghi lại, chắc chắn là do mối liên hệ chặt chẽ với anh trai và sản xuất đồ họa của anh ấy. Nếu quan hệ cha con được xác nhận, thì việc rao giảng Baptist cho nhà thờ Mantuan của Ognissanti cũng có thể bắt đầu từ thời kỳ này.

Vào khoảng năm 1579, G. đã hoạt động ở Carpi: vào ngày này, tên của ông xuất hiện trong sổ đăng ký của Confraternity of Mercy. Trong số các bức tranh được làm ở Carpi được Campori đề cập (trang 243 ff.), Sự giả định của Đức Trinh nữ cho nhà thờ S. Giovanni Battista, Đức Mẹ và Đứa trẻ với ss. Nicola và Lorenzo, cho buổi biểu diễn của S. Nicola, hiện đang ở trong nhà thờ S. Rocco. Trong nhà thờ có Lễ viếng, được thực hiện cho Luca Paoletti, trong đó quốc huy và chữ cái đầu xuất hiện bằng chứng tốt ở trung tâm phía dưới: đó là một tác phẩm có thể có niên đại, giống như tác phẩm khác của Carpi, đến cuối những năm bảy mươi , cũng bởi vì nó rất gần, về mặt kỹ thuật điều hành và bản thân cấu trúc bố cục, với các bức tranh năm 1577 và đặc biệt, với Cuộc gặp gỡ của Joachim và Anna.

Việc đóng đinh và các Thánh đã được đưa trở lại đầu những năm 1980, hiện nay ở nhà thờ S. Martino di Treviglio, nhưng từ Mantua. Độ dẻo đặc của các hình thể hiện ở đây, đặc biệt là ở chi tiết của phong cảnh ở hậu cảnh, một mạch mô tả, được hiển thị bằng một nốt màu cụ thể của một kiểu thu nhỏ, dường như bắt nguồn từ hoạt động do G. thực hiện trên thực địa. minh họa cho cuốn sách nhân vật. cả khoa học - của anh ấy đều là những bức thu nhỏ của cuốn sách De omnium animalium naturis atque formis của Pier Candido Decembrio được lưu giữ trong Thư viện Tông đồ Vatican - và tôn giáo, với chín bức tiểu họa còn sót lại của các cuốn sách phụng vụ của vương cung thánh đường palatine của Thánh Barbara.

Là một họa sĩ được triều đình trả tiền (người cũng nhờ ông tư vấn về các bộ sưu tập của công tước), G. đã cùng với các nghệ sĩ khác tham gia vào công việc mà các lãnh chúa của Mantua mong muốn, đó là tạo ra các bản sao chân dung của các nhân vật trong gia đình vào đầu những năm 1980. bộ sưu tập được thiết lập bởi Archduke Ferdinand của Austria-Tyrol, anh trai của Nữ công tước Eleonora, trước đây được lưu giữ trong lâu đài Ambras và ngày nay là tại Bảo tàng Kunsthistorisches ở Vienna. Hoạt động của ông với tư cách là người sao chép, được khuyến khích bởi nhiều ủy ban Gonzaga, đặc biệt là trong những năm 1990, đã khiến ông thực hiện các bản sao cho gia đình Capilupi, hiện đã bị phân tán, từ loạt tranh về các hoàng đế do Titian vẽ cho Federico Gonzaga được xác định rõ hơn (Tellini Perina, 1979 , trang 243), và vào tháng 5 năm 1590 một lần nữa một loạt các hoàng đế (Bertolotti).

Việc tổ chức lại các địa điểm nắm quyền của Công tước Guglielmo phải được đặt trong một chương trình chính trị tổng thể: ngoài cung điện công tước, lâu đài Goito, đã bị phá hủy vào thế kỷ thứ mười tám. “Những họa sĩ nổi tiếng và xuất sắc nhất đã nhập thất” (Mô tả…, trang 272) đã tham gia trang trí các căn phòng. G., người cùng với Ippolito Andreasi chuẩn bị phim hoạt hình ở Palazzo Te, được ghi lại trong phòng Chiến thắng trong căn hộ của Guglielmo, nơi ông đã tạo ra một số bức tranh về các chủ đề lịch sử triều đại đã được công nhận trong các bức tranh lớn của lâu đài Opočno, không xa. rời khỏi Praha: Lời thề của Luigi Gonzaga, Cuộc chiến giữa hai anh em Ludovico và Carlo Gonzaga, và, với sự phân bổ đáng ngờ hơn (Berzaghi, 1985, trang 53), một Sự thật về nhà Gonzaga. Đặt cảnh hành động chủ yếu ở tiền cảnh đông đúc với những nhân vật nhỏ bé, G. chắc chắn đã tuân thủ các yêu cầu của một chương trình kỷ niệm triều đại, nhưng không tính đến tiền lệ gần nhất và nổi tiếng nhất, bao gồm các bức tranh sơn dầu do Tintoretto thực hiện cho những căn phòng mới mà Guglielmo mong muốn. cung điện chúa.

Vào cuối năm 1587, G. được gọi đến Graz, cho Archduke Charles II của Styria, anh trai của Nữ công tước Eleonora, với tư cách là một nghệ sĩ được triều đình trả tiền. Ủy ban quan trọng đầu tiên đã chứng kiến ​​G. tham gia vào việc thực hiện Symbolum Apoolorum, được ký tên và ghi ngày 1588, và được bảo quản trong Landesmuseum Joanneum ở Graz.

Khi coi nó như một trang minh họa (hình vuông bên, một số ngụ ngôn, những trang khác với Câu chuyện về Chúa Kitô, đối phó với Vinh quang và bảng điều khiển trung tâm với Sự sáng tạo của Evà), G. thể hiện tất cả các đặc điểm của nó: một họa sĩ chú ý đến dữ liệu tự nhiên trong kết xuất động vật luôn trung thành với nguồn gốc chủ nghĩa cổ điển Raphaelesque của mình, từ đó bắt nguồn từ hầu hết các kế hoạch được sử dụng trong các ô nhỏ của tĩnh mạch thu nhỏ dễ dàng cẩn thận để thu thập ảnh hưởng của Flemish người kể chuyện lành nghề. Việc thông qua sơ đồ về "những điều huyền bí" của Kinh Mân Côi đã tạo điều kiện cho ý định giáo huấn được tuyên bố của bức tranh, do đó đồng ý với yêu cầu của vị giáo chủ, tham gia vào công việc khôi phục Công giáo trong Tiểu bang của ông.

Bức tranh phải đáp lại sự mong đợi của khách hàng, đến nỗi vào cùng năm 1588, G. đã làm việc, như được nhắc lại bởi một dòng chữ được vẽ trên vòm, trong lăng mộ xa hoa được xây dựng bởi Archduke Charles cho chính ông và cho. vợ ông là Maria di Baviera, được sát nhập vào vương cung thánh đường Seckau. Toàn bộ phần trang trí là do G., mặc dù anh ấy đã có sự giúp đỡ, nơi mà tất cả các đề xuất của Raphaelesque và thậm chí ma trận Corresque đều được rút gọn thành các công thức ngữ pháp, thành topoi tu từ được hệ thống hóa.

Các bức tranh của hai vòm chữ thập tạo nên trần nhà với Tượng Đức Mẹ Đồng Trinh và Sự khải hoàn của Nhà thờ là do G., bệ thờ với Sự biến hình có hai bên là các cột trụ, trong đó Bốn nhà truyền giáo được mô tả trên tấm bảng lớn trên bức tường bên. phía trên cenotaph với tập của Sinite parvulos. Một bức chân dung gia đình thực sự, được sử dụng một sơ đồ dù cổ xưa nhưng hiệu quả, nó đại diện cho một chủ thể cũng được chụp trong canvas được bảo quản tại Joanneum ở Graz và được G. thực hiện cùng lúc, mặc dù với sự tự do về bố cục nhiều hơn. Tuy nhiên, một trong những đặc điểm cấu tạo của G. vẫn không đổi, đó là sự hủy bỏ các mức trung gian tạo ra khoảng cách giữa đường chân trời và các mặt phẳng ngay sát người quan sát.

Vẫn cho tòa án, G. đã vẽ vào năm 1587 bức chân dung của các cổng vòm đã bị mất, và các bức bích họa của nhà nguyện tòa án ở Graz mà Morpurgo (trang 54 và pl. LXXXIX) không còn nhớ trên trang web. Mặc dù Charles II đã cấp cho anh ta một khoản tiền niên kim là 100 florin mỗi năm vào năm 1589, G. đã trở lại Mantua vào năm 1590. Tuy nhiên, các cuộc tiếp xúc với Graz không thất bại, nếu vào năm 1599, Công tước Mantua Vincenzo nhờ G. sao chép cho Nữ công tước Maria một bức tranh của Luca Longhi mà cô đã nhìn thấy trong tu viện của S. Benedetto di Polirone (Luzio, 1913, tr. 95).

Một số bức tranh không có tài liệu, nhưng có thể giới thiệu được đối với ông, và ngay sau khi ông trở về Mantua, bị ảnh hưởng mạnh mẽ bởi những trải nghiệm đã trưởng thành của G. ở Styria, và trên hết là bởi một sự cổ xưa nhất định về hình ảnh đại diện. La Maddalena della chiesa di S. Martino conferma le sue singolari doti coloristiche, come pure il Salvator Mundi della chiesa di S. Barnaba, dove lo sfondo di rovine può essere messo in relazione con i quadri realizzati in Stiria, ma anche con alcune stampe del fratello. Una tale sensibilità verso il rovinismo compare anche nella Madonna con Bambino del capitolo della cattedrale mantovana, ancora riferibile al G. e alla fine del nono decennio. A una fase più avanzata dovrebbero invece risalire due dipinti in collezioni private mantovane, l' Estasi della beata Osanna e il Gesù e le Marie (Tellini Perina, 1979, pp. 265-268).

All'inizio degli anni Novanta il G. lavorò nel duomo di Mantova insieme con Ippolito Andreasi. Condotta su iniziativa di Francesco Gonzaga, vescovo di Mantova, dal 1593 profondamente impegnato nella riforma della diocesi, l'impresa si estese alla decorazione ad affresco della cappella dell'Incoronata, del transetto e della cupola, nonché alla fornitura di cartoni per gli arazzi donati alla chiesa dal vescovo nel 1599.

Gli affreschi della cappella, con la Pentecoste e la Morte della Vergine sulle pareti e l' Assunzione nella volta, sono caratterizzati da un impianto di ampio respiro, e da una monumentalità senza fasto che si ritrova nei riquadri delle pareti del transetto, dove sono dipinti, in un intento ancora dichiaratamente dinastico, gli episodi più illustri della Chiesa mantovana. Esiti "neo-feudali" (ibid., p. 258) sono più evidenti qui che non nel resto della decorazione del transetto, negli ovali e ottagoni della volta con i fatti degli Ordini domenicano e francescano, o nella cupola, dove è rappresentato il Paradiso con i cori angelici .

Sottoposta a un programma dettagliato, questa parte della decorazione del duomo mostra una omogeneità stilistica tale da rendere poco agevole l'individuazione delle pertinenze specifiche del G., qui attivo fino alla morte. L'opera sarebbe stata proseguita dal solo Andreasi.

Già malato di gotta, il G. morì a Mantova nel 1601 e fu sepolto nella chiesa di S. Marco nella tomba da lui stesso fatta costruire. Lasciava Caterina, sua moglie, e il figlio Ludovico (D'Arco, II, p. 267).


TOMAS SARACENO: VITA E OPERE RIASSUNTE IN MINUTI (DI ARTE)

1. Tomás Saraceno è un artista, architetto e performer, considerato uno dei più importanti artisti contemporanei del Sud America. Nasce a San Miguel de Tucuma in Argentina nel 1973, ma trascorre alcuni anni dell’infanzia in Italia, per poi far ritorno in Argentina e studiare architettura e arte a Buenos Aires.

Nel 2001 torna in Europa e si iscrive alla Städelshule di Francoforte (una scuola di arti applicate molto selettiva) allora diretta da Daniel Birnbaum, mentre nel 2003 frequenta il corso di Progettazione e Produzione delle Arti Visive allo Iuav di Venezia tenuto da Hans Ulrich Obrist and Olafur Eliasson.

2. La formazione di Saraceno si è sempre contraddistinta per essere a cavallo tra architettura, arte e scienza. Infatti al di là degli studi artistici, nel 2009 raffina gli studi presso l’International Space Studies Program della Nasa nella Silicon Valley.

Nel 2012 è stato il primo artista residente al Center for Art, Science and Technology (CAST) al prestigioso Massachusetts Institute of Technology (comunemente chiamato MIT), mentre nel 2014 ha fatto una residenza al Centre National d’Études Spatiales (2014–2015) a Parigi.

3. La prima partecipazione di Saraceno ad un’esposizione internazionale avviene alla Biennale Architettura a Venezia nel 2002 (a cura di Deyan Sudjic).

Da quel momento nascerà un rapporto particolare con la Biennale di Venezia (sia quella di Arte che di Architettura) che culminerà con numerose partecipazioni, sempre apprezzate: nel 2003 (Biennale arte a cura di Francesco Bonami), nel 2009 (Biennale Arte a cura di Daniel Birnbaum), nel 2014 (Biennale Architettura a cura di Rem Koolhaas ) e nel 2019 (Biennale Arte a cura di Ralph Rugoff ).

4. Una delle più grandi fonti di ispirazione di Tomás Saraceno sono i ragni e le ragnatele. È stato il primo infatti ad utilizzare uno strumento in grado di misurare, scansionare e digitalizzare in 3d una ragnatela.

Nel 2010 alla Bonniers Konsthall di Stoccolma presenta 14 Billions un’installazione in cui per la prima volta nella storia viene presentata la scansione tridimensionale di una ragnatela, di una vedova nera. Le sue ricerche sui ragni proseguono tuttora nel suo Arachnid Research Lab.

5. Un’installazione di grande impatto dedicata alla ragnatela è In Orbit presentata nel 2013 nella piazza Ständehaus di Düsseldorf, o per essere più precisi sulla piazza. Perché In Orbit è una grande ragnatela contenente delle sfere di 2.500 mq suddivisa in tre livelli, sospesa a più di 25 metri dal suolo completamente abitabile.

I (coraggiosi) visitatori potevano salirci e vedere la piazza dall’alto come se volassero. Come per le ragnatele, ogni visitatore che saliva, modificando la tensione dei fili generava una vibrazione percepita da tutti i presenti. L’idea di Saraceno era proprio riuscire a dare agli spettatori una percezione dello spazio tramite la vibrazione della struttura, come accade per i ragni.

6. Un’installazione dal concetto simile, On Time Space Foam(il titolo è preso da un’espressione usata dal fisico Paul Davies riferita alla teoria dei quanti) è stata presentata nello stesso anno all’hangar Bicocca di Milano, a cura di Andrea Lissoni.

Si tratta di un’installazione praticabile fatta di membrane poste a 20 metri dal suolo, in cui gruppi limitati di visitatori potevano tuffarsi e muoversi come se fosse un enorme dirigibile/nuvola. L’effetto di chi osservava dal suolo era quello di una grande membrana organica i cui movimenti dei fruitori rendevano viva.

7. Lo spazio e la gravità sono altri temi ricorrenti in Saraceno. Il suo progetto Cloud Citypresentato nel 2011 all’ Hamburger Bahnhof di Berlino era ispirato a cupole geodetiche di Buckminster Fuller e ai fantastici giardini sospesi di Alex Raynold.

L’installazione consisteva in Diverse sfere, simili a gigantesche bolle di sapone con all’interno piante e piccoli giardini. Alcune erano sufficientemente grandi da permettere al fruitore di entrare e vivere un’esperienza di sospensione.

8. Cloud Cities è parte di un progetto più ampio in cui Saraceno immagina di poter ricreare una città transnazionale ed ecosostenibile tra le nuvole ispirandosi a bolle di sapone e ragnatele.

Un’ispirazione che si avvicina molto alla progettazione utopica di studi di architettura come gli Archigram, gruppo di avanguardia che negli anni ’60 ipotizzavamo strutture visionarie ed utopiche che dovevano influire sullo stile di vita degli abitanti. Non è un caso che nella sua formazione alla Städelshule di Francoforte Saraceno abbia studiato anche con Peter Cook tra i fondatori degli Archigram.

9. Il cielo rientra anche nel grande progetto di Tomás Saraceno dal titolo Aerocene, presentato durante la Conferenza sui Cambiamenti Climatici al Gran Palais di Parigi nel 2015. Si tratta di un progetto che fa alzare in volo e fluttuare in cielo sculture volanti ad emissioni zero. Tutto avviene grazie al calore del sole e alle radiazioni infrarosse emanate dalla Terra. Il progetto è tuttora attivo ed in continua evoluzione.

Nel gennaio 2020 Aerocene Pacha ha fatto decollare e riportare a terra una persona con un viaggio in una mongolfiera a totale emissione zero.

10. l progetto Aerocene mira a sensibilizzare la gente ad immaginare un mondo ecologista e senza emissioni, creando una comunità open-source con cui collaborare e immaginare nuove pratiche. Sul sito ufficiale del progetto è possibile entrare a far parte della community.

La mostra

“Tomás Saraceno – Aria”
Al Palazzo Strozzi di Firenze
fino all’1 novembre 2020


Video: Phần 30 MATEAN đọc ĐỪNG NÓI CHUYỆN VỚI CÔ ẤY của tác giả Ngộ Cẩn